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Venus con cajones



Venus con cajones - Historia

La conquista de lo irracional


Los cajones secretos del inconsciente

Los cajones que se abren con figuras humanas y de otro tipo de Dalí se han vuelto tan universalmente familiares como sus relojes blandos. los Venus de Milo con cajones o El gabinete antropomórfico han impreso imágenes dahnianas de forma indeleble en la memoria visual de millones. Antes de pintar este último, Dalí hizo varios dibujos preparatorios detallados a lápiz y tinta. La pintura fue concebida como un homenaje a las teorías psicoanalíticas de Freud, a quien Dalí (como era de esperar) veneraba. Dalí vio su propio tema como un medio alegórico de rastrear las innumerables fragancias narcisistas que emanan de cada uno de nuestros cajones (como él mismo lo expresó). Y declaró que la única diferencia entre la Grecia inmortal y la actualidad era Sigmund Freud, quien había descubierto que el cuerpo humano, puramente neoplatónico en la época de los griegos, estaba ahora lleno de cajones secretos que solo el psicoanálisis podía abrir. Dalí estaba familiarizado con las figuras de muebles hechas por el manierista italiano del siglo XVII Giovanni Battista Bracelli, y sin duda influyeron en sus propias figuras con cajones. Para Bracelli, sin embargo, las figuras de muebles eran un juego de geometría y espacio, pura jeu d'esprit, mientras que para Dalí, tres siglos después, un enfoque similar expresaba el impulso obsesivo y central de comprender la identidad humana.


El gabinete antropomórfico
1936


Venus de Milo con cajones
1936


Mujer con cajones
1936


Cara de hormiga. Dibujo para la sobrecubierta del catálogo de la exposición de Dalí
en la Alex Reid and Lefevre Gallery de Londres
1936

Los objetos oníricos surrealistas de Dalí llevaban el sello inconfundible de su propia personalidad única, y tomaron por asalto la escena artística parisina. Elementos como el Esmoquin afrodisíaco se exhibieron por primera vez en Charles Ratton's en mayo de 1936, luego en la Exposición Surrealista Internacional en Londres en julio y en Julien Levy's en Nueva York en diciembre. Al mismo tiempo, Dalí diseñó la portada del octavo número de Minotauro- un minotauro daliniano típicamente femenino, completo con cajón y langosta - y contribuyó con escritos clave sobre arte y estética a la revista. En & quotLe Surrealisme spectral de Peternel feminin preraphaelite & quot (un título que incorporó el & quoteternal femenino & quot; y el arte inglés del siglo XIX de Goethe en la brújula de Dalí), insistía en que el bienestar estético de la mente solo podía provenir de la salud del cuerpo, de tocar, comer y masticación. Aunque las mujeres del arte prerrafaelita inglés eran a la vez las más deseables y las más aterradoras imaginables, no obstante eran criaturas que uno podía devorar, con el mayor de los miedos. A Dalí le recordaron & citaron ese legendario manantial necrófilo & quot de Botticelli, que él consideró aceptable por representar & quot; la carne sana del mito & quot; pero discutible por su fracaso en establecer el esplendor y la pompa material de la leyenda occidental. Dalí continuó afirmando que la morfología prerrafaelita era una invitación permanente a sumergirse en las entrañas sangrientas de las profundidades estéticas del alma, y ​​describió a Cézanne como una especie de albañil platónico que se negaba a reconocer la curvatura geodésica.


Teléfono de langosta
1936


Portada de la revista & quotMinotaure & quot
1936


Estudio para la portada de & quotMinotaure & quot, No. 8
1936


El gran paranoico
1936

En este punto, Dalí pasó a abordar su teoría de las líneas geodésicas, declarando que las momias egipcias tenían lecciones valiosas que enseñar y pasó a escribir sobre el arte de la ropa, que marca el punto de transición de acceso desde la superficie exterior al reino interior de músculo y finalmente hueso. Ropa de noche y de día para el cuerpo, una ilustración destinada a el bazar de Harper o Moda, destaca el encuentro de Dalí de varias tensiones: no podemos decir con certeza dónde comienza y termina el cuerpo, la ropa, o incluso el armario o la ventana. La bata tiene una cremallera que permite abrir dos puertas batientes. Posteriormente, Dalí comentó que la trágica constante en la vida humana era la moda, razón por la cual disfrutaba tanto trabajando con Chanel y Schiaparelli. Creía que el concepto de vestirse era una consecuencia del trauma más poderoso de todos, el trauma del nacimiento. Además, sintió que ver a las modelos desfilar y pasar por allí era ver a los ángeles de la muerte anunciando la proximidad de la guerra.

& quotLe Surrealisme spectral de Peternel feminin preraphaelite & quot era un texto central en ese momento. Dalí prosiguió: `` es natural, entonces, que cuando Salvador Dalí habla de sus descubrimientos paranoicos-críticos en el campo de la representación visual, los espectadores platónicos de la eterna manzana de Cézanne no tomen en serio lo que consideran una forma frenética de querer tocar ''. todo (hasta la inmaculada concepción de su manzana) y, peor aún, de verdad comer y masticar todo, de una forma u otra. Pero Salvador Dalí no dejará de luchar por esta visión hipermaterialista, que es crucial para todos y cada uno de los procesos epistemológicos de la estética que incluyen la carne y los huesos de la biología: una visión de un vasto exterior, una visión de la desilusión hegemónica y de la exaltación sentimental ''.


Ropa de noche y de día
1936


10 dibujos de artistas femeninas que la historia ha subestimado

No es ningún secreto que las artistas femeninas han sido ignoradas y subestimadas a lo largo de la historia del arte. Desde la pintura hasta la escultura y la fotografía, los tomos de arte de todos los medios tienden a estar llenos de hombres europeos blancos muertos (DWEM). Y el mundo del dibujo no es una excepción. Durante años, las mujeres en el campo han sido marginadas por los hombres, ya sean esos hombres sus contemporáneos, parejas románticas o mentores.

Si bien no podemos cambiar la historia, podemos mirar hacia atrás y reconocer el inmenso talento de algunos de los mejores artistas para llevar la pluma al papel. Una exposición titulada "Venus Drawn Out" honra a estos visionarios y su tremendo impacto en el curso del arte contemporáneo. Las aproximadamente 35 piezas a la vista consisten en obras de artistas icónicos del siglo XX como Louise Bourgeois, Helen Frankenthaler, Eva Hesse, Lee Krasner, Yayoi Kusama, Georgia O’Keeffe y Betye Saar, entre muchos otros. La exposición, organizada por la curadora independiente Susan Harris, tendrá lugar dentro del Armory Show de este año en Nueva York.

"Estamos en 2014 y todavía estamos teniendo esta conversación", explicó Harris a GalleristNY. "Las batallas libradas en los años 70 ciertamente allanaron el camino para muchas de las mujeres artistas de hoy. Pero la gente todavía se pregunta, '¿Por qué los precios no son los mismos? ¿Por qué no tienen el mismo número de espectáculos? Y por qué en colecciones permanentes ¿hay tantos artistas masculinos más? 'Pensé que este sería un lugar perfecto para centrarse en las mujeres ".

No podemos esperar a esta exposición dentro de una exposición, que enfatiza tanto el progreso que hemos logrado como el largo camino que aún nos queda por recorrer en lo que respecta a las mujeres en las artes. He aquí 10 obras de artistas femeninas que pertenecen a las filas de la historia del arte.

1. Jennifer Bartlett


March Bermuda (casa P15), 1998 Pastel sobre papel, 22.5 x 22.5 pulgadas, Imagen cortesía de Armand Bartos

2. Helen Frankenthaler


Relay II, 1976, Técnica mixta sobre papel 22 1/2 x 29 1/2 pulgadas, Imagen cortesía de Armand Bartos

3. Sherrie Levine


Sherrie Levine, After Miro, 1985, Acuarela y grafito sobre papel 14 x 11 pulgadas (35,56 x 27,94 cm) Verso firmado y fechado, Imagen cortesía de Armand Bartos

4. Anni Albers


Wall XI, 1984 Acuarela sobre serigrafía, Cortesía de la Fundación Josef y Anni Albers y Galería Alan Cristea

5. Georgia O'Keeffe


No. 36 - Especial, 1920, Títulos alternativos No. 36 Especial, La flor de nicotina, Especial No. 36, Acuarela sobre papel tejido áspero, blanco, muy grueso, 15 1⁄2 x 11 1⁄4 pulgadas, desigual, hoja, Cortesía de la Galería Gerald Peters, NY

6. Yayoi Kusama


Nets & amp Red No. 8, 1958, Acuarela y pastel sobre papel con malla de nailon, 8 x 10 pulgadas (20,3 x 25,4 centímetros) Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery, Nueva York, Stand # 206

7. Pat Steir


Línea flotante, cortesía de Thomas Schulte, Berlín

8. Lee Krasner


Sin título, 1965, gouache sobre papel, 25 "x 38", firmado y fechado, Línea de crédito: Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY

9. Nancy Spero


F111, 1968, gouache y tinta sobre papel, 35 3/4 "x 23 3/4", firmado y fechado, Línea de crédito: Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY

10. Lee Krasner (toma dos)


Water No. 2, 1968, gouache sobre papel Douglas Howell de 18 "x 22", firmado y fechado, Línea de crédito: Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York, NY

"Venus Drawn Out" se desarrollará desde el 6 de marzo hasta el 9 de marzo de 2014 como parte del Armory Show.


P: Tengo seis de estos platos de Wedgwood marcados con la palabra "Rústico" en una pancarta en la marca en forma de jarrón y "Copyright deposición 3" b.

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¿Cuánto valen las pinturas de Salvador Dalí?

Las pinturas de Salvador Dalí son extremadamente valiosas, y las pinturas a menudo se venden por millones de dólares en subastas. Incluso sus piezas, grabados y películas más pequeñas pueden venderse por decenas a cientos de miles de dólares. Esto se debe a la calidad de su catálogo y a su talla como uno de los grandes artistas del siglo XX. Lo máximo pagado por una pieza de Salvador Dalí fue $ 21,671,110 por la pintura. Retrato de Paul Eluard (1929) el 10 de febrero de 2011. Esto no es de ninguna manera un valor atípico, Dalí ha vendido varias pinturas por varios millones de dólares.


Clásico

Salvador Dalí (1941-1989)

& gt análisis de arte, pinturas y obras.

La poesía de América (1943)

Obtener una imagen de alta calidad de La poesía de América para su computadora o portátil. & # 8227 Este cuadro grande fue pintado en un dormitorio de Del Monte Lodge en Monterey, California. Aquí se ha aplicado con éxito la doctrina daliniana para transcribir las imágenes obsesivas, fruto de los años de exilio que Dalí y Gala pasaron en América durante la Segunda Guerra Mundial. El dinamismo americano está representado por las dos figuras principales, los jugadores de fútbol, ​​y por el pequeño personaje posado en el apéndice en el dorso del de la izquierda, balancea una pelota en su dedo y simboliza la vitalidad física de los negros. En esta obra Dalí ha expresado su presentimiento de las dificultades que surgirían entre los ciudadanos blancos y negros después de la guerra pintando un mapa blando de África que cuelga del reloj en la parte trasera. En lo que a él respecta, la botella de Coca-Cola también es premonitoria. Me señaló (Robert Descharnes) recientemente que había pintado la botella con meticulosidad fotográfica casi veinte años antes de que Andy Warhol y los artistas pop estadounidenses comenzaran a hacer lo mismo. Les sorprendió ver este lienzo del pintor catalán fechado en 1943 cuando se creían los primeros en mostrar interés por este tipo de objeto anónimo y banal.

Hablando de la vitalidad del pueblo estadounidense, Dali dio la siguiente explicación en una entrevista grabada en el verano de 1966: "Lo que más le gusta al pueblo estadounidense es: primero, sangre: has visto todas las grandes películas estadounidenses, especialmente las históricas siempre hay escenas en las que el héroe es golpeado de la manera más sádica del mundo y donde uno presencia verdaderas orgías de sangre. En segundo lugar, a los estadounidenses les gustan los relojes blandos. ¿Por qué? Porque siempre están mirando sus relojes. Siempre tienen prisa , terriblemente presionados por el tiempo, y sus relojes son horriblemente rígidos, duros y mecánicos. Por lo tanto, el día en que Dalí pintó por primera vez un reloj blando, ¡fue un gran éxito! Porque por una vez este horrible objeto, que marcó minuto a minuto minuto la secuencia ineludible de sus vidas y les recordó su urgente negocio, de repente se había vuelto tan suave como el queso Camembert cuando está en su mejor momento, cuando comienza a correr. A continuación, la mayor pasión del pueblo estadounidense es cuando ven a los niños pequeños asesinados. ¿Por qué? Porque, según los más grandes psicólogos de Estados Unidos, la masacre de los inocentes es el tema predilecto, el que se encuentra en lo más recóndito de su subconsciente, ya que constantemente los molestan los niños, por lo que su libido se proyecta. llenando las superficies cósmicas de sus sueños. Si los estadounidenses adoran las orgías sangrientas y la matanza de los inocentes y los relojes blandos que funcionan como un verdadero camembert francés cuando es justo, es porque lo que más aman en el mundo son los 'puntos' o bits de datos, esos bits de información que simbolizan la discontinuidad de la materia. Es por esa razón que todo el arte pop actual se compone de 'puntos' de información ".

Galarina (1945)

Obtener una imagen de alta calidad de Galarina para su computadora o portátil. & # 8227 Gala se ha representado a menudo en las obras de Dalí. Incluso se podría decir que es la única mujer cuyo rostro y silueta aparecen incesantemente el pintor dice: "Es el ser más raro de ver, la superestrella que en ningún caso se puede comparar con La Callas o Greta Garbo, porque se puede ver". a menudo, mientras que Gala es un ser invisible, el anti-exhibicionista por excelencia. En la casa de Salvador Dalí, hay dos primeros ministros, uno es mi esposa, Gala, y el otro es Salvador Dali. Salvador Dali y Gala son los dos seres únicos capaz de moderar y exaltar matemáticamente mi divina locura ".

Este retrato pertenece al período clásico del artista. Fue pintado en Estados Unidos un poco antes del final de la Segunda Guerra Mundial. "Iniciado en 1944", escribe Dalí en el comentario del catálogo de su exposición en la Galería Bignou en 1945, "me tomó seis meses trabajando tres horas al día para terminar este retrato. Llamé a este cuadro Galarina porque Gala es para yo lo que la Fornarina fue para Rafael. Y, sin premeditación, aquí está el pan de nuevo. Un análisis riguroso y perspicaz saca a la luz el parecido de los brazos cruzados de Gala con los lados de la canasta de pan, su pecho parece ser la extremidad de la corteza. Ya había pintado a Gala con dos chuletas en el hombro para transcribir la expresión de mi deseo de devorarla. Fue en el momento de la carne cruda de mi imaginación. Hoy, ahora que Gala ha ascendido en la jerarquía heráldica de mi nobleza, se ha convertido en mi canasta de pan ".

Este cuadro fue pintado en los Estados Unidos en 1944-45, tres años después de que Dalí se casara con Gala en una ceremonia civil. Se estaba haciendo en el momento en que el artista afirmaba haber descubierto por primera vez en su vida la forma real de pintar, es decir, con pintura sobre y debajo de la pintura. Para él, esto es infinitamente más sutil en sus tonalidades que los cuadros pintados antes. Ya lo vincula al período de Leda Atomica, cuando estaba haciendo todo el trabajo de investigación técnica relacionado con la materia. Esta investigación lo absorbió tanto que terminó por no prestar atención a las conversaciones e incluso a los comentarios que le hacía Gala. Al recordar este episodio, cuenta la siguiente anécdota: "Fue exactamente durante este período que solía despertarme por la noche para colocar una gota de barniz, más o menos, en un cuadro. Fue una completa locura. Entonces Gala - estábamos en medio de la guerra, en el mismo momento en que los estadounidenses se iban hacia el Pacífico, me dijo: 'De verdad, ¿qué harías si un día te sucediera lo mismo que a estos muchachos que deben partir para la guerra en ¿Aviones todos los días para ir a pelear? ¡Me parece que además de esto tus problemas técnicos no son tan insolubles! Es mucho menos dramático Y yo respondí, 'Si me hicieran tal cosa, si insistieran en irse, en lanzarse en paracaídas '- porque en ese momento había alguna posibilidad de que se alistaran extranjeros -' bueno, en ese caso, no te dejaría ir '. Había olvidado por completo que se trataba de mi partida y estaba convencido de que si alguien tenía que ir a la guerra, ¡sería Gala! "

El brazalete que lleva en la muñeca fue una creación de Fabergé de inspiración Mogul que a Dalí le gustó inmensamente. Lo usó colocado alrededor del tobillo de su esposa en la pintura. El pecado original, que se puede ver hoy en el Museo Boymans-van Beuningen en Rotterdam. La serpiente,. junto con todas las joyas de Gala, fue robado unos años después del dormitorio del hotel en el que se hospedaba la pareja en California.

Un segundo antes de despertar de un sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada (1944)

Obtener una imagen de alta calidad de Un segundo antes de despertar de un sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada para su computadora o portátil. & # 8227 Sueño causado por el vuelo de una abeja fue pintado mientras Dalí y Gala vivían en América. El título completo explica el tema y el contenido del cuadro, que fue tomado de un sueño que Gala le informó a Dalí. Anunció que esta pintura era la primera ilustración del descubrimiento de Freud, que los estímulos externos podían ser la causa de un sueño.

El catalizador del sueño, que es la granada, flota en el aire con la abeja volando hacia ella. Detrás de la granada, el sueño de Gala se despliega sobre un mar de azul brillante. Una Gala desnuda yace dormida mientras se cierne sobre una piedra, una alusión a la sensación de flotación común que puede ocurrir en los sueños.

A la izquierda de Gala hay una granada enorme que derrama semillas en el mar. De la granada está emergiendo un pez rosado enojado con la boca bien abierta. Un tigre gruñendo salta del pez. De este tigre emerge otro, su cola en la boca del anterior. Los tigres corren hacia Gala, con las garras listas, pero es la bayoneta, que refleja el aguijón de la abeja, lo que la despertará.

Tristán e Isolda (1944)

Obtener una imagen de alta calidad de Tristán e Isolda para su computadora o portátil. & # 8227 Las figuras de Tristán e Isolda representadas en este lienzo fueron pintadas por Dalí en 1944 como telón de fondo para el ballet. Bacanal, interpretada con la música de Wagner y presentada por primera vez en 1944 en el escenario del International Theatre de Nueva York. La historia de este ballet, para el que Dalí escribió el libreto, comenzó antes de la guerra. En ese momento ese título era Tristan loco. Iba a representarse en París con la coreografía de Leonide Massine, la escenografía del príncipe Charvachidze y trajes en los que Coco Chanel deseaba utilizar armiño real y piedras preciosas genuinas.La guerra impidió la producción en París, y más tarde el marqués Georges de Cuevas decidió montar el espectáculo en Nueva York. "Como con todo lo demás", escribe Dalí en La vida secreta, "mi Tristan loco, que iba a haber sido mi aventura teatral más exitosa, no se pudo dar, por lo que se convirtió en Venusberg y finalmente Bacanal, que es la versión definitiva ". El ballet es un terreno propicio para que Dalí ponga en práctica su método paranoico-crítico con buenos resultados. Desafortunadamente, la mayoría de las veces sus instrucciones no se siguieron exactamente en la producción de la escenografía y en la puesta en escena de sus ideas. a menudo parecían demasiado difíciles de ejecutar en la práctica, eran demasiado costosas y no podían aceptarse según las reglas de seguridad que normalmente se aplican a los teatros.

Las dos últimas colaboraciones de Dalí en ballets datan de 1961, cuando participó con Maurice Bejart en la puesta en escena de La Dama Española y el Caballero Romano por Scarlatti y un Ballet de Gala para lo cual escribió el libreto, diseñó la escenografía y el vestuario, y exigió una cortina formada por motocicletas que saltaban por la culata, colgadas una de la otra, y un verdadero boeuf-ecorche-de-Rembrandt que debía ser reemplazada en cada actuación para ejercer sobre los espectadores el efecto paralizante de su frescura.

Mi esposa, desnuda, mirando su propio cuerpo (1945)

Obtener una imagen de alta calidad de Mi Esposa, Desnuda, Mirando Su Propio Cuerpo para su computadora o portátil. & # 8227 Mi Esposa, Desnuda, Mirando Su Propio Cuerpo es uno de los varios retratos de Gala donde se la ve desde atrás. Dalí dijo que instantáneamente se había dado cuenta de que Gala era la encarnación de su amor de la infancia, la mujer que esperaba, al verla de regreso, lo que él creía

En la pared a la derecha de Gala hay una cabeza de piedra griega, que enfatiza el estilo clásico de la pintura. Aparte de la Gala arquitectónica surrealista, esta pintura podría considerarse clásica.

Gala mira hacia adelante para ver su propio cuerpo, como explica el título, transformándose en arquitectura. Las puntas de su cabello están formadas por un trabajo en piedra que recuerda al que se ve en el autorretrato, El gran masturbador (1929). La columna que sería la columna vertebral de Gala es metálica, creando un comentario visual sobre la fuerza y ​​tenacidad de su esposa. Dentro de la Gala arquitectónica se encuentra la diminuta figura de un hombre, que aparece perdido dentro de una enorme jaula.

La tentación de San Antonio (1946)

Obtener una imagen de alta calidad de La Tentación de San Antonio para su computadora o portátil. & # 8227 En este cuadro la tentación se le aparece sucesivamente a San Antonio en la forma de un caballo en primer plano que representa la fuerza, a veces también el símbolo de la voluptuosidad, y en la forma del elefante que lo sigue, llevando sobre su espalda la copa dorada de lujuria en la que una mujer desnuda se encuentra precariamente equilibrada sobre el frágil pedestal, figura que enfatiza el carácter erótico de la composición. Los otros elefantes llevan edificios a la espalda, el primero de ellos es un obelisco inspirado en el de Bernini en Roma, el segundo y el tercero están cargados de edificios venecianos al estilo de Palladio. Al fondo, otro elefante lleva una alta torre no exenta de tintes fálicos, y en las nubes se vislumbran algunos fragmentos de Escorial, símbolo del orden temporal y espiritual. El tema del elefante aparece varias veces en las obras de Dalí de este período: por ejemplo, en Atomica Melancholica de 1945 y Triunfo de Dioniso de 1953.

Este cuadro fue pintado en el estudio que el artista ocupó durante unos días junto al Restaurante Colony en Nueva York. Es la primera y única vez que participa en un concurso. Fue un concurso artístico por invitación para una pintura sobre el tema de la tentación de San Antonio, organizado en 1946 por la Loew Lewin Company, una empresa productora de películas. La imagen ganadora debía figurar en una película tomada del cuento "Bel Ami" de Maupassant. En el concurso participaron once pintores, entre ellos Leonora Carrington, Dali, Paul Delvaux, Max Ernst y Dorothea Tanning. El premio fue otorgado a Max Ernst por un jurado compuesto por Alfred Barr, Marcel Duchamp y Sidney Janis. Todas estas obras se mostraron en una exposición en Bruselas y en Roma durante 1947.

Desmaterialización cerca de la nariz de Nero (1947)

Obtener una imagen de alta calidad de Desmaterialización cerca de la nariz de Nero para su computadora o portátil. & # 8227 Desmaterialización cerca de la nariz de Nero, aunque es un buen ejemplo del período "místico nuclear" de Dalí, también muestra un estilo más clásico. Con la ironía típica, Dalí escribió que "las dos peores cosas que le pueden pasar a un ex surrealista hoy en día son, en primer lugar, volverse místico y, en segundo lugar, saber dibujar. al mismo tiempo".

Contra una llanura de Ampordán, una enorme granada se ha empalmado, como un átomo, en dos partes. Las semillas se derraman de la granada, flotando en el aire entre las dos mitades. Un busto de Nero se cierne sobre el cubo disecado que alberga la granada. El busto en sí se ha dividido en cuatro partes (o, alternativamente, las cuatro partes se unen para formar un todo). El uso de Dalí de un tema clásico como Nero se enfatiza por la arquitectura clásica que se cierne sobre la cabeza de Nero. Sin embargo, no es solo el contenido lo que marca el estilo clásico de esta pintura, la pincelada es meticulosa, la representación realista y el equilibrio dentro de ella también evoca el estilo clásico, siendo al mismo tiempo la interpretación de Dalí de la fuerza atómica.

Retrato de Picasso (1947)

Obtener una imagen de alta calidad de Retrato de picasso para su computadora o portátil. & # 8227 Dalí pintó el retrato de su genial compatriota en California. Es interesante compararlo con el suyo. Autorretrato suave con tocino a la parrilla, pintado seis años antes en el mismo lugar.

Este retrato podría tener el título Retrato Paranoico Oficial de Pablo Picasso, porque Dalí ha reunido aquí todos los elementos folclóricos que describen anecdóticamente los orígenes del pintor andaluz. Su fama está afirmada por su busto montado sobre un pedestal, símbolo de la consagración oficial. Los senos representan el aspecto nutritivo de Picasso mientras lleva sobre su cabeza la pesada piedra de la responsabilidad por la influencia de su obra en la pintura contemporánea. El rostro en sí es una mezcla de una pezuña de cabra y el tocado del busto de mármol greco-ibérico, el Dama de Elche, que recuerda los orígenes andaluces y malagueños de Picasso. El folclore ibérico se remata con un clavel, una flor de jazmín y la guitarra. Hablando sobre el trabajo de este titán poco después de su muerte, Dalí dijo: "Creo que la magia en la obra de Picasso es romántica, en otras palabras, la raíz de su agitación, mientras que la mía solo se puede hacer basándose en la tradición. totalmente diferente a Picasso ya que él no estaba interesado en la belleza, sino en la fealdad y yo, cada vez más, en la belleza pero fea belleza y bella belleza, en casos extremos de genios como Picasso y yo, puedo ser de tipo angelical ”.

La Virgen de Port Lligat (1950)

Obtener una imagen de alta calidad de La Virgen de Port Lligat para su computadora o portátil. & # 8227 Este inmenso lienzo, uno de los más famosos de Dalí, marca el inicio de una nueva etapa en su obra. Al mismo tiempo, es el primer cuadro tan grande, es el primero de los cuadros religiosos y presagia la época corpuscular. Toda la composición se organiza alrededor del pan eucarístico visible a través de un agujero en el centro del cuerpo de Jesús, el punto de intersección de las líneas diagonales que indican el centro del cuadro. Gala está representada como la Virgen y también como los ángulos de la sepia en el lado derecho del lienzo. Un niño de Cadaqués llamado Juan Figueras fue utilizado como modelo para el niño Jesús.

"Madonna Gala encarna todas las virtudes geológicas de Port Lligat ", escribió el pintor en 1956" por ejemplo, la enfermera, de cuya espalda se tomó la mesita de noche, esta vez ha sido sublimada en el tabernáculo de carne viva a través del cual se puede ver el cielo celeste , ya su vez otro tabernáculo cortado del pecho del Niño Jesús, conteniendo pan eucarístico en suspensión. "Hay dos óleos del mismo tema que aquí reproducido es el segundo. El primero, que es de menor tamaño, fue presentado por Dalí al Papa Pío XII para su aprobación y ahora está en la Universidad de Marquette. Sobre el lienzo más grande, Dalí me ha comentado (Robert Descharnes): "Esta imagen por su tamaño estaba destinada a conocer muchos contratiempos. En medio de una tormenta terrible, tuvimos que hacer que un contratista viniera a Port Lligat para agrandar la ventana de la habitación, la habitación de los pájaros, porque la lona de su camilla no se filtraba por la ventana. Entonces Gala tuvo que contratar un camión, porque era demasiado grande para el tren, para enviarlo primero a París y luego a Le Havre, para enviarlo en barco a América. En Nueva York, era demasiado grande para cualquier ascensor, tuvieron que izarlo con una cuerda hasta las ventanas del piso en el que se ubicaba la Galería Carstairs y donde se iba a mostrar. El propio comerciante, George Keller, dijo en ese momento: "Esta pintura es magnífica, pero nunca podré venderla, porque no hay una casa lo suficientemente grande para ella y cuesta demasiado enviarla". Sin embargo, es el que me abrió las puertas a la venta de todos mis cuadros grandes ”. Hoy La Virgen de Port Lligat está en la colección de Lady Beaverbrook en Canadá. Nunca se muestra en exposiciones retrospectivas porque, para sacarlo, sería necesario derribar la puerta o sacar una de las ventanas de la biblioteca donde cuelga.

Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

Obtener una imagen de alta calidad de Cristo de San Juan de la Cruz para su computadora o portátil. & # 8227 La más popular de todas las obras religiosas de Dalí es sin duda alguna su Cristo de San Juan de la Cruz, cuya figura domina la bahía de Port Lligat. La pintura se inspiró en un dibujo, conservado en el Convento de la Encarnación en Ávila, España, y realizado por el mismo San Juan de la Cruz después de haber visto esta visión de Cristo durante un éxtasis. Las personas al lado del barco se derivan de una imagen de Le Nain y de un dibujo de Velázquez para La rendición de Breda. Al final de sus estudios para el Cristo, Dalí escribió: “En primer lugar, en 1950, tuve un 'sueño cósmico' en el que vi esta imagen en color y que en mi sueño representaba el 'núcleo del átomo'. ' Este núcleo tomó más tarde un sentido metafísico, lo consideré 'la unidad misma del universo', ¡el Cristo! En segundo lugar, cuando, gracias a las instrucciones del Padre Bruno, un carmelita, vi al Cristo dibujado por San Juan de Dios. la Cruz, elaboré geométricamente un triángulo y un círculo, que 'estéticamente' resumía todos mis experimentos anteriores, e inscribí a mi Cristo en este triángulo ".

Esta obra fue considerada banal por un importante crítico de arte cuando se exhibió por primera vez en Londres. Sin embargo, varios años después, fue cortado por un fanático mientras estaba colgado en el Museo de Glasgow, prueba de su asombroso efecto en la gente. Dalí relata que, cuando estaba terminando el cuadro a finales de otoño de 1951, hacía tanto frío en la casa de Port Lligat que Gala decidió abruptamente instalar calefacción central. Recuerda los momentos de terror que vivió entonces, temiendo por su lienzo en el que la pintura aún estaba húmeda, con todo el polvo que levantaban los obreros: "Lo llevamos del estudio al dormitorio para que yo pudiera seguir. pintura, cubierta con una sábana blanca que no se atrevía a tocar la superficie del óleo. Dije que no creía que pudiera volver a hacer a mi Cristo si le ocurría algún accidente. Era una verdadera angustia ceremonial. En diez días la central se instaló calefacción y pude terminar el cuadro para llevarlo a Londres, donde se mostró por primera vez en la Galería Lefevre ". Cuando fue en la Bienal de Arte de Madrid, junto a otras obras del pintor, el general Franco pidió que se llevaran al palacio de El Pardo dos de los óleos del maestro de Figueras - Canasta de pan y Cristo de San Juan de la Cruz.

Explosión de cabeza rafaelesca (1951)

Obtener una imagen de alta calidad de Explosión de cabeza rafaelesca para su computadora o portátil. & # 8227 Esta es otra obra en la que Dalí combina imágenes y referencias a muchas facetas diferentes de su vida en un todo. La fascinación clásica de Dalí por la estructura atómica, un retorno a las influencias del Renacimiento y su trasfondo religioso se unen en esta notable obra.

El interés de Dalí por las formas perfectas lo llevó a idolatrar los cuernos de rinoceronte que se pueden ver flotando sobre la ceja izquierda de la figura. Estos cuernos representan la convicción de Dalí de que la base de la vida misma era de hecho una espiral. La cara de Madonna aquí está representada en un estado de fragmentación nuclear, lo que ilustra aún más el punto de Dalí. La corona de la cabeza parece estar formada por un techo abovedado, sin duda una referencia al amor de Dalí por todo lo clásico, y quizás a las ruinas de Ampurius cerca de la casa de su infancia.

Asummpta Corpuscularia Lapislazulina (1952)

Obtener una imagen de alta calidad de Asummpta Corpuscularia Lapislazulina para su computadora o portátil. & # 8227 Supuesto corpuscular de lapislázuli repite varias de las imágenes vistas en Explosión de cabeza rafaelesca (1951). Se puede ver el contorno del Panteón, cuya parte superior actúa como un halo para la cabeza de Gala. Como la Virgen, Gala está explotando, su cuerpo delineado por los cuernos de rinoceronte que giran alrededor del cuadro.

Sobre un altar está la figura del Cristo crucificado. El modelo de Cristo fue un niño de Cadaqués llamado Juan, al que los Dalis tenían muy cerca, tratándolo como a un hijo adoptivo. El cuerpo del niño forma un triángulo, una forma repetida por los brazos y la cabeza de Gala arriba. Dalí hizo colocar un piso de vidrio en su estudio para poder mirar hacia arriba o hacia abajo a sus modelos y recrear esta perspectiva.

Dalí vio esta pintura como una interpretación de la idea de fuerza natural del filósofo Nietzsche, aunque aquí tenemos a Gala como una "supermujer", ascendiendo al cielo a través de su propia fuerza innata. En una explicación posterior del trabajo, Dalí escribió que Gala se estaba elevando al cielo con la ayuda de "Ángeles antimateria". La pintura se puede interpretar como el cuerpo de Gala desintegrándose o integrándose.

Crucifixión (Corpus Hypercubus) (1954)

Obtener una imagen de alta calidad de Crucifixión (Corpus Hypercubus) para su computadora o portátil. & # 8227 Al desembarcar del barco de vapor America En Le Havre el 27 de marzo de 1953, a su regreso de Nueva York, Dalí anunció a los reporteros reunidos a su alrededor que iba a pintar un cuadro que él mismo calificó de sensacional: un Cristo explosivo, nuclear e hipercúbico. Dijo que sería el primer cuadro pintado con una técnica clásica y una fórmula académica pero en realidad compuesto por elementos cúbicos. A un reportero que le preguntó por qué quería representar a Cristo explotando, respondió: "Todavía no lo sé. Primero tengo ideas, luego las explico. Esta imagen será la gran obra metafísica de mi verano".

Fue a finales de la primavera de 1953 en Port Lligat cuando Dalí inició esta obra, pero está fechada en 1954, año en que se terminó y luego se exhibió en el mes de diciembre en la Carstairs Gallery de Nueva York. La pintura puede considerarse como uno de los más significativos de sus óleos religiosos en el estilo clásico, junto con La Virgen de Port Lligat, Cristo de San Juan de la Cruz, y La última cena, que se encuentra en la Galería Nacional de Washington, D.C.

"Cubismo metafísico, trascendente" es la forma en que Dalí define su cuadro, del que dice: "Se basa enteramente en la Tratado de forma cúbica de Juan de Herrera, arquitecto de Felipe II, constructor del Palacio del Escorial es un tratado inspirado en Ars Magna del filósofo y alquimista catalán Raymond Lulle. La cruz está formada por un hipercubo octaédrico. El número nueve es identificable y se vuelve especialmente consustancial con el cuerpo de Cristo. La figura extremadamente noble de Gala es la unión perfecta del desarrollo del octaedro hipercúbico en el nivel humano del cubo. Se la representa frente a la bahía de Port Lligat. Los seres más nobles fueron pintados por Velázquez y Zurbarán. Solo me acerco a la nobleza mientras pinta a Gala, y la nobleza solo puede inspirarse en el ser humano ”.

Crucifixión es una obra impresionante que combina con éxito elementos del misticismo nuclear de Dalí con su regreso a su herencia católica durante este tiempo. En esta obra, Dalí nos está regalando una crucifixión en la era de la ciencia moderna, completando su tema iniciado en Cristo de San Juan de la Cruz.

De particular interés es el asombroso atletismo con el que se representa al salvador crucificado. Incluso los agujeros de los clavos en las palmas y los pies no están presentes, ya que Salvador nos muestra su perfecta redención. La cruz en sí, un cubo octaédrico de ocho lados, representa el posible reflejo teórico de un mundo de 4 dimensiones separado. La fascinación de Dalí por las matemáticas se incorpora con su regreso a su fe católica en su vida posterior. Esta unión representa la afirmación de Dalí de que los dos mundos aparentemente diametralmente opuestos de la fe y la ciencia PUEDEN coexistir.

Esta pintura, de seis pies de altura, puede considerarse una de las 18 obras maestras, así nombrada por el Sr. Reynolds Morse. Gala Dali mira la crucifixión como un testigo reverente, envuelto en túnicas doradas y blancas, de pie sobre un gran tablero de ajedrez, mientras la silueta familiar de las montañas de Cataluña se aleja en la distancia.

Desintegración rinocerótica de Illissus of Phidias (1954)

Obtener una imagen de alta calidad de Desintegración rinocerótica de Illissus of Phidias para su computadora o portátil. & # 8227 Pintado durante el período corpuscular de Dalí, este es uno de los cuadros en los que el artista utilizó cuernos de rinoceronte en suspensión para formar una parte o la totalidad de la figura de su sujeto, como en Explosión de cabeza rafaelesca de 1951, Estudio crítico paranoico de la encajera de Vermeer de 1954-55, o Joven virgen auto-sodomizada por su propia castidad. los Illisos se inició en Port Lligat durante el verano de 1953, al mismo tiempo que Dalí estaba trabajando en la Crucifixión (Corpus Hybercubus), ahora en el Museo Metropolitano de Nueva York. En su Le Journal d'un genieDalí ha hecho un detallado relato de su día a día en estos dos trabajos, describiendo cómo logró superar su miedo a emprender determinadas superficies del lienzo, que parecía provenir de su miedo neurótico a no tener testículos y de mantener siempre los dientes demasiado apretados.Conquistó este miedo una tarde atacando dos cosas completamente diferentes: el torso y los testículos de Illisos. El cuidado que dedicó día a día a este cuadro debe ser considerado como el arduo trabajo de un pintor que sabe buscar la maestría haciendo un bodegón al mismo tiempo que controla la atmósfera y la interpretación de una obra de su imaginación, tal como Crucifixión (Corpus Hybercubus). Como respiro a la tensión que exigía su trabajo en el Crucifixión, hizo el Illisos en su estudio, utilizando como modelo una réplica en yeso de esta maravillosa escultura de Fidias, encontrada originalmente en el frontón oeste del Partenón y hoy en el Museo Británico de Londres.

La figura mitológica está representada en suspensión en medio de la Bahía de Cadaqués, donde se vislumbra al fondo la roca llamada Cucurucuc que se alza a la entrada de la bahía. La parte inferior del agua se trata igual que en otros dos cuadros, el primero de 1950 y titulado Dalí a los seis años cuando se creía una niña, levantando con extrema precaución la piel del agua para observar a un perro durmiendo a la sombra del mar, y el segundo de 1963: Hércules levanta la piel si el mar y detiene a Venus por un instante de despertar el amor.

La última cena (1955)

Obtener una imagen de alta calidad de La última cena para su computadora o portátil. & # 8227 Esta obra es otro excelente ejemplo de la idea de Dalí del misticismo nuclear, en la que ha combinado ideas de ciencia y religión. Como en varias otras obras maestras de Dali (a saber El Concilio Ecuménico) aquí no podemos ver el rostro de Dios. Los elementos de la Eucaristía católica, pan y vino, están presentes en la mesa, una referencia directa a la herencia catalana de Dalí. El maravilloso paisaje de la tierra natal de Dalí domina una vez más el fondo circundante, y toda la escena parece tener lugar dentro de algún edificio surrealista y etéreo.

Quizás aún más importante, este trabajo traduce el deseo de Dalí de convertirse en Clásico en que se adhiere a las reglas de la Proporción Divina. La teoría de la sección áurea, tal como la presentó Euclides, creó en Dalí un estilo de pintura completamente nuevo, en el que estas técnicas artísticas clásicas se elevaron a niveles modernos de dominio.

Nature Morte Vivante (Bodegón vivo) (1956)

Obtener una imagen de alta calidad de Nature Morte Vivante (Bodegón vivo) para su computadora o portátil. & # 8227 Las influencias clásicas vuelven a predominar en esta obra maestra. Dalí había pintado muchas veces naturalezas muertas como tableros de mesa llenos de fruta, pescado o pan. Pero este trabajo es particularmente importante porque muestra algunos de estos objetos en movimiento, lo que sugiere los temas del misticismo nuclear de Dalí.

El cuchillo en el centro de la pintura divide la obra en varias secciones perfectas, otra referencia a la obsesión de Dalí por la metodología clásica. Las frutas en la parte superior derecha de la obra están todas en movimiento nuclear, al igual que uno de los fruteros y el agua que se derrama del decantador. Una mano sostiene un cuerno de rinoceronte en el lado izquierdo de la obra, mientras que una flor de coliflor domina la sección superior derecha. Todos estos objetos sugieren las formas espirales naturales con las que Dalí se había obsesionado tanto.

Los pequeños y coloridos trozos en el centro inferior de la obra representan, según Dalí, los trozos de materia que sobraron de cuando pintó esta obra. En conjunto, esta pieza es un examen en profundidad de los principios expuestos sobre Dalí en sus teorías del divisionismo y el misticismo nuclear. Dali afirmó que toda la materia no era en absoluto lo que parecía, sino que tenía atributos que incluso él solo podía adivinar. A medida que la física nuclear continuaba madurando, Dalí fue algo 'reivindicado' en estas creencias, una vez que la verdadera naturaleza de la materia comenzó a ser desvelada.

El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959)

Obtener una imagen de alta calidad de El descubrimiento de América por Cristóbal Colón para su computadora o portátil. & # 8227 Desde el primer día que pisó la acera del París surrealista, Dalí nunca ha dejado de proclamar que la mayoría de los pompiers Los pintores y los ultraacadémicos, especialmente Meissonier y el español Mariano Fortuny, fueron mil veces más interesantes que los representantes de los "ismos" envejecidos del arte moderno y los objetos de arte africanos, polinesios, indios e incluso chinos. Por lo tanto, era normal que, en un momento determinado de su vida, se enfrentara cara a cara con el patriotismo y, como pompiers Lo hizo a finales del siglo XIX, decidió pintar cuadros glorificando la historia de su país.

El descubrimiento de América por Cristóbal Colón fue pintado en 1958 y 1959. Este aceite es anterior a Santiago el Grande, que representa a Santiago de Compostela, patrón de España. Dalí dice que en este lienzo pintó por primera vez con un escalofrío existencialista: el escalofrío por la unidad de la patria. Todo en él brota de los cuatro pétalos de una flor de jazmín que explota en una nube atómica de genio creativo. Dos años después de terminar su Descubrimiento de America, Dalí produjo una tercera obra histórica, La batalla de Tetuán, inspirado en el cuadro homónimo de Mariano Fortuny que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Barcelona. El descubrimiento de América por Cristóbal Colón fue un paso importante en la pintura de Dalí de ese período. Aquí se encuentra por primera vez, conjugada e íntimamente mezclada con estilos anteriores, la técnica de su época corpuscular. En este lienzo, la figura del estandarte es Gala, y el monje arrodillado y sosteniendo el crucifijo es Dalí. En una entrevista grabada en 1972, mientras hablaba de esta imagen, me dijo (Robert Descharnes) que había querido rendir homenaje a la gloria de Velázquez. Por otro lado, lo que le parecía más importante desde el punto de vista técnico era emplear un proceso utilizando las líneas del fotograbador que, muy ampliado, permitiera la imagen, tomada desde el Cristo de Glasgow, para reaparecer de modo que pareciera entremezclarse con las gloriosas alabardas de los guerreros españoles, inspiradas en el cuadro de Velázquez en el Museo del Prado, La rendición de Breda.

Puede parecer sorprendente decir que Dalí decidió pintar cuadros glorificando su país y luego mostrar a Colón descubriendo América. Sin embargo, se ha argumentado que Colón era español. Nunca escribió nada en italiano, todos los escritos están en español, y algunos historiadores creen que su familia se vio obligada a abandonar España y huir a Italia. Los catalanes creen firmemente que era de Cataluña. Por lo tanto, para Dalí, este fue el comienzo lógico de sus pinturas históricas.

Tres influencias principales (además de Gala, que SIEMPRE fue la principal musa de Dalí) inspiraron a Dalí a crear esta Obra Maestra, que mide más de 14 pies de altura. El primero de ellos fue el próximo 300 aniversario de la muerte de Velázquez, quien era muy importante para Dalí. La segunda fue que hubo un considerable debate académico en ese momento sobre la verdadera nacionalidad de Colón. Algunos afirmaban que Colón había sido catalán en lugar de italiano, y Dalí aprovechó esta oportunidad para glorificar aún más su maravillosa Cataluña. Finalmente, la galería que encargó a Dalí la pintura de esta obra, la Huntington Hartford Gallery, estaba ubicada en Columbus Circle en la ciudad de Nueva York. La combinación de estas 3 cosas fue suficiente para inspirar a Dalí a maravillosas alturas de creatividad.

El nombramiento de Colón para explorar el Nuevo Mundo por el rey Fernando y la reina Isabel de España está representado en el centro superior de la pintura. Justo a la derecha de eso, las cruces voladoras y las lanzas, estandartes y armas de asta sostenidas en alto por las figuras a continuación son referencias directas a la pintura de Velázquez. La rendición en Breda (o Las Lanzas). De esta manera, Dalí presenta sus respetos directos al maestro español del siglo XVII que tanto le ha influido.

El centro de la pintura está dominado por un joven Colón que conduce uno de sus barcos hacia la costa del Nuevo Mundo. En su mano derecha sostiene un estandarte en el que se representa el rostro de Gala en la pose de Santa Elena, la madre de Constantino. Constantino fue el fundador de Constantinopla y el Imperio de Bizancio, que influyó mucho en el desarrollo de la civilización occidental. A la derecha de Colón, hay una figura arrodillada de un monje, que en realidad es Dalí, y en la esquina inferior derecha, la figura cuya cabeza está totalmente cubierta por el manto es representativa del lado introspectivo y privado de su esposa Gala.

En la esquina inferior izquierda, un obispo traslúcido sostiene su bastón en alto entre una serie de cruces y otros objetos. Este es San Narcisso, el obispo de Gerona, que había sido asesinado en su propia abadía. Había una leyenda española que decía que cada vez que un invasor extranjero avanzaba en el área de la tumba de San Narcisso, se derramaban enormes nubes de tábanos para ahuyentar a los invasores extranjeros.

Esta pintura, sobre todo, es un homenaje a la herencia católica española de Dalí. La pose de Gala en la pancarta sostenida por Colón simboliza la forma en que Gala ayudó a Dalí a descubrir América. Ella fue muy responsable de muchas de las payasadas por las que se hizo famoso, y como resultado de su guía, Dalí se elevó a las grandes alturas con las que ahora estamos familiarizados.

Rosa meditativa (1958)

Obtener una imagen de alta calidad de Rosa meditativa para su computadora o portátil. & # 8227 Las rosas aparecen en muchas de las obras de Dalí. En los años treinta realizó varias pinturas de mujeres cuyas cabezas estaban formadas por rosas. Dalí usa la rosa como símbolo sexual femenino. El hombre invisible (1929-32) incluye a dos mujeres parcialmente desnudas con enormes rosas que aparecen donde deberían estar sus úteros. En 1930, Dalí volvió a utilizar esta imagen pero de una manera más definitiva, representando a una mujer desnuda con rosas sangrantes saliendo de su vientre. Entonces, para Dalí, la rosa representaba la menstruación y los órganos reproductores internos de la mujer.

La Rosa comparte una estructura similar con el Retrato de Gala con síntomas rinoceróticos (1954). Ambas pinturas tienen el conocido cielo intensamente azul como telón de fondo de una imagen central dominante que se cierne sobre un paisaje español. Las pinturas también comparten el mismo color rojo vivo de la rosa, que contrasta tan eficazmente con el cielo azul en Retrato de Gala con síntomas rinoceróticos, el rojo se usa para el borde debajo de su cabeza. En La Rosa, hay una diminuta gota de agua en uno de los pétalos de la flor, tan realista como una fotografía. Dalí usó a menudo este efecto de trampantojo para resaltar un pequeño detalle de una pintura.

La ascensión de Cristo (1958)

Obtener una imagen de alta calidad de La ascensión de cristo para su computadora o portátil. & # 8227 Dali dijo que su inspiración para La ascensión de cristo vino de un "sueño cósmico" que tuvo en 1950, unos ocho años antes de que se completara la pintura. En el sueño, que era de colores vivos, vio el núcleo de un átomo, que vemos en el fondo de la pintura. Dalí luego se dio cuenta de que este núcleo era la verdadera representación del espíritu unificador de Cristo.

Los pies de Cristo señalan al espectador, atrayendo el ojo hacia adentro a lo largo de su cuerpo hacia el centro del átomo detrás de él. El átomo tiene la misma estructura interior que la cabeza de un girasol. Como ocurre con la mayoría de las otras pinturas de Cristo de Dalí, su rostro no es visible. Encima del Cristo está Gala, con los ojos empapados de lágrimas.

La figura del Cristo, desde los pies en primer plano hasta los brazos extendidos, forma un triángulo. Dali había usado la misma geometría para su Supuesto corpuscular de lapislázuli. Usó una estructura triangular por primera vez en la pintura de 1951 Cristo de San Juan de la Cruz. La inspiración para esta forma provino de un dibujo del místico español San Juan de la Cruz, donde se representa a Cristo como visto desde arriba.

Retrato de mi hermano muerto (1963)

Obtener una imagen de alta calidad de Retrato de mi hermano muerto para su computadora o portátil. & # 8227 El hermano de Dalí, también llamado Salvador, murió a la edad de dos años, un año antes de su nacimiento. Se parecía mucho a su hermano muerto y dijo que su "identificación forzada con una persona muerta significaba que mi verdadera imagen de mi propio cuerpo era la de un cadáver en descomposición, podrido, blando y lleno de gusanos". Esta es la única pintura que Dalí hizo de su hermano, aunque el niño es mayor que su hermano real antes de morir. Dalí sintió que estaba exorcizando el espíritu de su hermano con este cuadro.

El rostro del niño se crea mediante una matriz de puntos, una técnica que fue ampliamente utilizada en el período del arte pop de los años sesenta. Esta técnica enfatiza la cualidad fantasmal del niño, es insustancial, pero su presencia llena el paisaje. El cabello del niño también forma parte de las alas de un cuervo, un pájaro que a menudo se considera un presagio de la muerte. Debajo del niño hay una representación en miniatura de Millet El Ángelus. Dali creía que a través de una radiografía de El Ángelus, se probaría que la canasta sobre la que rezan los novios fue inicialmente el ataúd de un niño.

El torero alucinógeno (1970)

Obtener una imagen de alta calidad de El torero alucinógeno para su computadora o portátil. & # 8227 Esta gran composición vertical se inició en Port Lligat en 1968 y se terminó en 1970, cuando fue comprada por el Sr. y la Sra. A. Reynolds para el Museo Salvador Dalí en Cleveland, para ser colgada junto con sus otras obras ya ensambladas. allí.

La doble imagen que aparece en el centro de esta obra es la del Venus de Milo repetidas varias veces desde diferentes ángulos de tal manera que las sombras forman los rasgos de un torero cuyo manto de luces está formado por los corpúsculos obtenidos mediante la multiplicación de puntos y de moscas, mezclados con la imagen corpuscular del toro agonizante. La primera obsesión de Dalí con la Venus de Milo fue en 1936, cuando transformó una réplica de yeso en Venus de Milo con cajones, poniendo cajones en su cuerpo y en su frente. Me dijo (Robert Descharnes) recientemente que prácticamente no había tocado el yeso original, en el que solo había marcado dónde deberían estar los cajones. Fue Marcel Duchamp, creador del ready-made, quien emprendió la producción del modelo.

Aquí, fue en la Venus de Milo reproducida en la tapa de una caja de lápices de una marca conocida que Dalí vio al instante aparecer el rostro de un torero. La arquitectura de la arena iluminada por las sombras del sol a las cinco de la tarde, la hora de la corrida de toros, es una mezcla de arenas clásicas españolas con estructuras palladianas vistas en Italia y los pórticos del antiguo y arruinado teatro de Figueras antes de que se transformara en el Teatro-Museo Dalí.

En su conjunto, esta pintura puede considerarse la pintura retrospectiva más completa y única de la carrera de Dalí. Incorpora elementos de la cultura catalana de Dalí, su educación religiosa y muchos otros elementos específicos de su vida. Dali concibió la idea de esta pintura mientras estaba en una tienda de artículos de arte. En el cuerpo de Venus, en una caja de lápices de esa marca, vio el rostro del torero. Esta es una pintura de doble imagen que repite la imagen del Venus de Milo varias veces de tal manera que las sombras forman los rasgos de un torero.

La cara del torero se impone sobre la Venus media. La cara está inclinada, los labios inclinados y el pecho derecho de Venus forma la nariz del torero. Comenzando con el botón en la cintura de la segunda Venus a la izquierda, transforme esa área en un botón de cuello y un cuello de hombre. La falda verde de la Venus se convierte en la corbata del torero. Su abdomen se convierte en su barbilla, mientras que el abdomen y el pecho izquierdo constituyen la mayor parte del resto de su rostro. El lado derecho de su rostro se convierte en el ojo del torero, que derrama una lágrima por el toro moribundo. La arena en la parte superior forma el sombrero del torero. El torero aparece de nuevo en la figura perfilada en amarillo con los brazos alzados en dedicación del toro a Gala. Aparece en la esquina superior izquierda rodeada de amarillo. Dalí pintó a Gala con el ceño fruncido porque no le gustaban las corridas de toros.

La lágrima en el ojo (en la nuca de Venus) se derrama por el toro moribundo. Las legendarias moscas de San Narrciso (que se dice que provienen de la tumba de San Narrciso cada vez que cualquier potencia extranjera intenta invadir España) se muestran primero de manera realista y luego de manera más simbólica donde se fusionan con los detalles de la capa del torero. En la parte superior del cuadro, las moscas sugieren las pequeñas bolitas negras de hilo que alguna vez fueron cosidas a las redecillas que usaban los toreros en la época de Goya, y que aún persisten en los delantales negros de las ancianas de la España rural. . Las esferas de colores recuerdan a las de las agujas de la catedral "Sagrada Familia" de Antonio Gaudí. También se refieren al arte óptico, ya que las esferas crean un cubo tridimensional.

La imagen del toro moribundo emerge del rocoso terreno del cabo de Creus que aparece justo debajo del capote del torero. Una mosca grande forma el ojo. Lo que a primera vista podría parecer un charco de sangre debajo del toro es en realidad una bahía traslúcida. En esta bahía aparece una mujer en una balsa amarilla. Esta aparente incongruencia simboliza la invasión de los "turistas modernos" del cabo de Creus que ni siquiera las moscas de San Narrciso han podido detener. Dalí comentó una vez que no estaba demasiado preocupado por la profanación de su amado Cabo Creus porque sus rocas "eventualmente vencerían a los turistas franceses y el tiempo destruiría la basura que dejan por todas partes".

En el centro del primer plano en la parte inferior del cuadro, aparece un perro formado por motas expresionistas de color que podrían ser reflejos del agua. Este perro se deriva de una fotografía de 1966 de Ronald C. James que muestra un dálmata. El perro fue retirado, pero las manchas permanecieron. Esta foto abordó el mismo problema que preocupaba a Dalí en todas sus imágenes dobles: ¿cuánta información visual se necesita para reconocer una forma? Este perro también trae uno de vuelta a la pintura de 1923. Cadaqués con su perro en el mismo lugar, mostrando la amplitud del arte y el genio de Dalí. Finalmente, a menudo apenas visible incluso en los mejores escaneos en color de esta obra, en la esquina inferior izquierda, Dalí firma su propia retrospectiva con una pequeña figura de sí mismo cuando era niño. Lleva su traje de marinero azul favorito y juega con sus juguetes favoritos, un aro y un hueso fosilizado.

Dalí desde atrás pintando Gala desde atrás eternalizado por seis córneas virtuales reflejadas provisionalmente en seis espejos reales (1973)

Obtener una imagen de alta calidad de Dalí desde atrás pintando Gala desde atrás eternizado por seis córneas virtuales reflejadas provisionalmente en seis espejos reales para su computadora o portátil.& # 8227 La investigación de la tercera dimensión, completamente controlada por las rigurosas leyes de la perspectiva, juega un papel preponderante en la obra de Salvador Dalí. El pintor siempre se ha interesado por los métodos de representación de las dimensiones espaciales, la rama de la óptica y la fotografía, la estereoscopía, la holografía, el estéreo-video. "En el ámbito pictórico", ha escrito, "mis únicas ambiciones estaban dirigidas hacia la verdad óptica, incluso antes de llegar a París. Siempre he elogiado la fotografía en color". La extrema precisión con la que pinta a sus sujetos, copiados según sus necesidades con la misma maestría de la fotografía que de la naturaleza -su talento lo permite- le hace definir la pintura de esta manera. "Fotografía en tres dimensiones y en color de las imágenes superfinas de la irracionalidad concreta, realizada íntegramente a mano".

Desde 1961, cuando Dalí estudiaba estereoscopia, yo (Robert Descharnes) he podido colaborar directamente con él en todo su trabajo de investigación. En 1971 se encuentra con la obra del pintor holandés Gerard Dou, y advierte que varios cuadros de este alumno de Rembrandt, realizados en dos versiones, exhiben innegables características estereoscópicas. Entonces decidió volver a los experimentos de Dou: a partir de documentos estereoscópicos, pintó dos lienzos, uno para el ojo izquierdo y otro para el ojo derecho. Estos parecían estar en tres dimensiones, con la ayuda de un sistema de espejos enfocado por Roger de Montebello. Las primeras imágenes fueron decepcionantes, siendo el principal inconveniente el peso del vidrio, su fragilidad y la imposibilidad de deshacerse de la doble imagen reflejada provocada por el grosor de los espejos de vidrio. Pude resolver este problema, para mayor satisfacción de Dalí, utilizando una película de plástico muy estirada con un mayor poder de refracción que el vidrio. Gracias a estos nuevos métodos, la estereoscopía dejó de ser un secreto para convertirse en monumental. Yendo más allá, yendo más allá de la pintura, en diciembre de 1973 le sugerí a Dalí que aplicara nuestro descubrimiento a la televisión, creando un video-estéreo en el que la experimentación continúa.

Esta placa de color muestra la pintura para el ojo derecho fielmente copiada por Dalí de la fotografía estereoscópica en blanco y negro. Toda la obra del pintor se orientó hacia el estudio de las variaciones de colores, valores y la representación de las luces y sombras del lienzo al otro para lograr un efecto tridimensional y ofrecer una nueva visión estereoscópica, binocular, gracias a la superposición óptica de sus dos cuadros.

Arte de Salvador Dali

Artículos

Enciclopedia de arte Una historia mundial del arte en artículos.
& # 160 & # 160 & # 160 Modernismo
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Salvador Dali
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Arte, vida y mundo surrealista.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Primeros años. Arte, pinturas y obras.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Años surrealistas. Arte, pinturas y obras.
& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 Años clásicos. Arte, pinturas y obras.


Eche un vistazo a algunos de los grandes artistas hispanos que han dado forma al arte y la cultura occidentales.

Diego Vel y aacutezquez (1599 & # 8211 1660)

& # 8220The Rokeby Venus & # 8221 de Diego Vel & aacutezquez. c.1644 & # 8211 1648. (Foto: dominio público vía WikiArt)

Nacido en Sevilla, Diego Vel & aacutezquez tuvo una carrera tremendamente exitosa que lo convirtió en el artista líder de lo que se conoce como el Siglo de Oro español. Gran parte de su producción artística está relacionada con su papel como pintor de la corte del rey Felipe IV, cargo que ocupó durante casi 40 años. Su estilo individualista se distingue de otros pintores barrocos y sus pinceladas sueltas seguirían influyendo tanto en los pintores realistas como en los impresionistas. Grandes maestros como Picasso, Dali y Francis Bacon rindieron homenaje a Vel & aacutezquez recreando algunas de sus obras de arte más famosas como Las Meninas.

Francisco Goya (1746 y # 8211 1828)

& # 8220El 3 de mayo de 1808 (Ejecución de los Defensores de Madrid) & # 8221 de Francisco Goya. 1814. (Foto: dominio público vía WikiArt)

Uno de los pintores más influyentes del siglo XVIII, Francisco de Goya disfrutó de un enorme éxito durante su vida. Su trabajo se asocia a menudo con el movimiento romántico y se le considera uno de los últimos grandes Maestros Antiguos. Uno de los cuadros más famosos de Goya, El 3 de mayo de 1808 (Ejecución de los Defensores de Madrid), es una obra maestra con carga política que rinde homenaje a la resistencia española durante la ocupación del país por Napoleón. Esta obra pionera sentó un nuevo precedente sobre cómo se representaban en el arte los horrores de la guerra.

Jos & eacute Clemente Orozco (1883 & # 8211 1949)

Miguel Hidalgo y Costilla, líder de la Guerra de Independencia de México por Jos & eacute Clemente Orozco. Detalle del mural en el Palacio de Gobierno de Jalisco en Guadalajara, México. 1949. (Foto: Fotos de archivo de posztosE / Shutterstock)

Pintor y caricaturista mexicano Jos & eacute Clemente Orozco ayudó a marcar el comienzo de una era importante del muralismo mexicano que alentó la unidad en el país después de la Revolución Mexicana. Muchos de sus murales, que a menudo hablan de la difícil situación de los campesinos y trabajadores, todavía son visibles en todo el país. Su obra de arte poderosa a menudo puede ser macabra y teñida de ira por las injusticias sociales que ocurren en México. Muchos de sus mejores murales se encuentran en Guadalajara. Sus 57 frescos en el Instituto Cultural Cabañas de la ciudad fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1997.

Frida Kahlo (1907 y # 8211 1954)


Con su obra profundamente personal y simbólica, la artista mexicana Frida Kahlo se ha convertido en uno de los artistas más famosos del siglo XX. Durante gran parte de su carrera, a menudo se la pasó por alto simplemente como la esposa de Diego Rivera, pero la apreciación de sus pinturas solo ha crecido desde la década de 1970 en adelante. Ferozmente orgullosa de su identidad mexicana, a menudo incorporó símbolos precolombinos en sus pinturas y es conocida por su colorido vestido mexicano. Kahlo, que sufrió problemas de salud a lo largo de su vida debido a un accidente de autobús en su juventud, vio truncada su floreciente carrera debido a su prematura muerte a los 47 años. Su legado continúa vivo y sigue siendo un ícono de muchos movimientos feministas y políticos.

Diego Rivera (1886 & # 8211 1957)

& # 8220La historia de México & # 8221 de Diego Rivera. 1929-1935. (Foto: Fotos de archivo de Florian Augustin / Shutterstock)

Junto a Jos & eacute Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera fue considerado uno de & # 8220 los tres grandes & # 8221 pintores del movimiento mural mexicano. Los frescos de Rivera establecieron el arte mexicano a nivel internacional mientras ayudaba a forjar una identidad nacional basada en la mexicanidad. Este orgullo por la identidad mexicana es visible en el arte de Rivera a través de su paleta de colores atrevidos y el uso de formas simplificadas influenciadas por el arte maya y azteca. Si bien algunas de sus obras más conocidas se encuentran en la Ciudad de México, Rivera también pintó extensamente en los Estados Unidos. Su mural Hombre en la encrucijada, fue retirado del Rockefeller Center en Nueva York debido a una imagen de Lenin en la obra.

Pablo Picasso (1881 & # 8211 1973)

& # 8220Les Demoiselles d'Avignon & # 8221 de Pablo Picasso. 1907. (Foto: dominio público vía Wikipedia)

Es imposible crear una lista de pintores hispanos influyentes sin incluir Pablo Picasso. Como artista que cambió el rostro del arte moderno, sus contribuciones a la cultura occidental son innegables. Ya sea que miremos sus innovadoras obras cubistas o estudiemos el increíble desarrollo de su estilo a lo largo de diferentes períodos, hay mucho que decir sobre el pintor español. Fue un niño prodigio que primero dominó las técnicas clásicas antes de romper por su cuenta para romper la forma tradicional de crear arte. Su obra es impresionante, ya que produjo aproximadamente 50.000 obras de arte durante su vida entre pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos y grabados.

Joan Miró (1893 y # 8211 1983)

Artista catalán Joan Miró fue una fuerza imparable en el mundo del arte, disfrutando del éxito a lo largo de su vida. Sus primeras pinturas se agrupan con el movimiento surrealista y se basan en el automatismo y mdash cuando se permite que la mente inconsciente tome el control de la pintura. Un verdadero artista multimedia, Miró a menudo se tomaba descansos de la pintura para centrarse en la escultura, la cerámica, el diseño de escenarios y el grabado. Su trabajo fue muy influyente para muchos artistas modernos, con su abstracción influyendo en generaciones posteriores como el expresionista abstracto Jackson Pollock. Deseoso de ayudar a los artistas jóvenes, en 1975 fundó la Fundación Joan Miró y el Centro de Estudios de Arte Contemporáneo en su Barcelona natal.

Jean-Michel Basquiat (1960 y # 8211 1988)

Aunque vivió hasta los 27 años, el artista estadounidense Jean-Michel Basquiat dejó una huella indeleble en el mundo del arte. De ascendencia haitiana y puertorriqueña, Basquiat se hizo un nombre por primera vez cuando la etiqueta de graffiti SAMO apareció en la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1970. Basquiat fue uno de los primeros grafiteros de la escena underground en hacer la transición al mercado de las bellas artes, con sus pinturas neoexpresionistas expuestas en todo el mundo. Su arte está lleno de comentarios sobre las injusticias sociales y las luchas de clases, a menudo en relación con la comunidad negra. En 2017, estableció un récord para un artista estadounidense en una subasta cuando su pintura de 1982 de una calavera negra con riachuelos rojos y negros se vendió por 110,5 millones de dólares.

Salvador Dal & iacute (1904 & # 8211 1989)

Con una carrera que abarcó más de seis décadas, Salvador Dal y iacute es uno de los artistas más influyentes del arte moderno. Famoso por sus pinturas surrealistas como La persistencia de la memoria, Dal & iacute también fue un prolífico escultor, cineasta, fotógrafo e ilustrador. Incluso creó un libro de cocina basado en las legendarias cenas que organizaban él y su esposa Gala. Con una personalidad ecléctica y excéntrica que coincidía con su producción artística, continúa capturando la imaginación del público 30 años después de su muerte.

Fernando Botero (1932 y # 8211)

Pintor y escultor colombiano Fernando Botero es conocido por su estilo exclusivo y exclusivo. Conocido como boterismo, este estilo presenta pinturas y esculturas de figuras con proporciones exageradas y curvas. Como uno de los artistas más reconocidos de América Latina, Botero está profundamente influenciado por sus raíces. Su uso de contornos fuertes y colores planos y vibrantes es un guiño al arte popular latinoamericano. Más recientemente, su trabajo se ha concentrado en temas políticos. Su serie de 2005 Abu Ghraib, que se basa en informes de abuso militar estadounidense en la prisión de Abu Ghraib durante la guerra de Irak, atrajo la atención internacional cuando se exhibió.


Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar por Salvador Dali

En una de las obras más conocidas de Dalí de la época posterior a la Segunda Guerra Mundial, un desnudo reclinado se cierne sobre una de las rocas planas de Port Lligat que, a su vez, flota sobre el mar Mediterráneo. Este estado de inmovilidad y animación suspendida puede relacionarse con el nuevo interés del artista por la fisión nuclear y la energía atómica, que había reemplazado su anterior fascinación por el psicoanálisis freudiano. Sin embargo, como sugiere el título de esta pintura, la imaginería onírica todavía estaba en el centro de su estética, como lo demuestra la alarmante cabalgata de criaturas feroces y armas peligrosas que amenazan a la figura femenina dormida.

En una sucesión de imágenes en cadena, una granada se abre para liberar un pargo rojo gigante que a su vez vomita dos tigres furiosos, cuyas formas saltantes se derivaron de un cartel de circo de Ringling Bros y Barnum-Bailey. Lo más cercano al desnudo femenino que desafía la gravedad es un rifle con bayoneta que está a punto de perforar su brazo, mientras que en el medio, cerca del horizonte, un elefante que lleva un obelisco en su espalda cruza el mar azul brillante con patas forradas. Esta criatura híbrida, una variación del monumento al elefante de Bernini, fue para Dalí un símbolo de guerra y destrucción, y su presencia en esta pintura ayuda a transmitir un ambiente de terror y confusión apropiado para una visión de pesadilla. La desconcertante imagen de un pez enorme arrojando a un par de tigres saltarines parece haber sido inspirada directamente por la obra de Hieronymus Bosch.


Hola toque

Jimmyjane fue fundada por Ethan Imboden (ahora director de productos de riesgo en frog, hemos hablado anteriormente con Imboden sobre el diseño de juguetes sexuales). La galardonada compañía del Área de la Bahía fabrica juguetes sexuales de alta gama, y ​​el reconocido diseñador Yves Béhar diseñó el primer producto de la compañía. En 2013, Jimmyjane lanzó Hello Touch. El dispositivo vibrador cuenta con una fuente de energía que se envuelve alrededor de la muñeca y se conecta a almohadillas de silicona pulsantes que se deslizan sobre las yemas de los dedos. Le da a la mano humana un toque biónico.


Identificación de máquinas de coser antiguas

Hace varios años, me regalaron una antigua máquina de coser de pedal Singer que ha pasado de generación en generación a través de mi familia. No tenía idea de cuándo se fabricó ni de su número de modelo. Faltan varias partes, no está en muy buen estado y básicamente no es funcional, pero sigue siendo una maravillosa pieza de recuerdo familiar y me encanta tenerla en mi casa. Mi televisor de pantalla plana suele estar encima del mueble Singer, así que lo miro todos los días. Quizás algún día lo renueve, y cuando eso suceda, será importante saber un poco más sobre la máquina.

Gracias a la reciente celebración del 160 aniversario de Singer & # 8217, pude identificar el año del modelo de mi máquina antigua # 8217 ingresando su número de serie en la base de datos en línea de Singer & # 8217s. Es bueno saber que mi máquina de coser se fabricó en 1907. Pero también quería averiguar el número de modelo, que al principio pensé que sería una propuesta mucho más difícil. Afortunadamente, una búsqueda rápida en línea arrojó varios recursos que me ayudaron a reducir mi número de modelo Singer & # 8217s.

Lo mejor y más fácil de navegar es Sandman Collectibles & # 8217 en línea Guía de identificación de cantante. Volviendo a su Singer antiguo, responde una serie de preguntas de sí / no sobre su máquina y las características del # 8217s. Según sus respuestas, el formulario en línea lo lleva a más preguntas de identificación, hasta que finalmente llega a uno o más modelos posibles. Usando este formulario de identificación, reduje mi modelo Singer & # 8217s a 27/28 o 127/128. Según ciertos factores, creo que es muy probable que sea un modelo 127/128. Sandman Collectibles también ofrece muchos manuales de usuario de máquinas Singer antiguas a la venta.

Otro recurso muy útil es el blogger Nicholas Rain Noe & # 8217s & # 8220The Vintage Singer Sewing Machine Blog & # 8221. A través de varias publicaciones de blog, Nicholas ofrece orientación a través del proceso de analizar las características de una máquina y distinguir modelos muy similares entre sí.

También vale la pena navegar por el sitio web de la Sociedad Internacional de Coleccionistas de Máquinas de Coser & # 8217. La sociedad archiva manuales de máquinas de coser, anuncios y otra información y ofrece muchos materiales descargables en su sitio web. También publica hallazgos de investigación, resultados de subastas e información sobre la restauración de máquinas antiguas para una membresía internacional de coleccionistas de máquinas de coser.

Los accesorios misteriosos de máquinas antiguas pueden ser un poco más difíciles de identificar, pero puede utilizar muchos de los mismos recursos disponibles para identificar máquinas. Además, hay muchos proveedores que se especializan en piezas originales o de reproducción para máquinas antiguas y antiguas, y simplemente comparar su máquina y la pieza misteriosa # 8217, como un prensatelas, con las disponibles para la venta puede ayudarlo a descubrir su propósito. Estoy bastante seguro de que los dos prensatelas idénticos en la foto son accesorios de volantes (sé que el tercer pie es un accesorio de dobladillo enrollado).

¿Tiene una máquina de coser antigua o antigua? ¿Es su antigüedad una reliquia familiar o un hallazgo de venta de garaje? ¿Ha identificado su modelo y año de fabricación? ¿Tiene algún recurso favorito para identificar máquinas antiguas y reemplazar piezas?

Mi máquina de coser Singer a pedal de 1907.

Basado en la serie de preguntas planteadas por la guía de identificación de Singer en línea de Sandman Collectibles, y en base a detalles adicionales, creo que es un modelo 127/128.

Los accesorios misteriosos del prensatelas a la izquierda son probablemente volantes, y el de la derecha es, obviamente, un prensatelas con dobladillo enrollado.

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